导读

没有任何事物能与被音乐吸引的感觉相提并论。当音乐在难以言表的层面上触动我们时，那种突然且无法控制的情感浪潮会将我们淹没，随之而来的是一种无法预测的体验，它会将听众带入另一个世界。

“弹错一个音无关紧要，缺乏激情的演奏才是不可原谅的。”

——路德维希·范·贝多芬

音乐与情感

人们有着自己的音乐经历，他们用音乐来表达那些难以用言语诉说的情感。音乐的体验被认为是无法用言语解释的，它超越了语言的范畴，任何人都可以从中找到共鸣。音乐遍布世界各地，任何人都可以对一首曲子所表达的情感拥有自己的感知与看法。

2015年，相关研究人员进行了一项实验，使用巴赫和肖邦创作的各种乐曲，评估了不同的音乐元素如何引发情感。结果显示，音高范围与情感有直接关联，例如，高音往往会引发快乐，而低音则会引发悲伤。此外，节奏和速度也会影响情感。例如，较慢的节奏或速度会引发悲伤。参与者还一致认为，小调常引发悲伤，而大调常引发快乐。

表演者对所演奏音乐的诠释应传达出对作者及其作品起源的某种了解。了解这些内容有助于更深入的理解，并在表演中加以表达。一首音乐作品根据表演者的诠释方式，有可能表达出不同的情感和思想。

2011年，另一项研究开展，以玛丽亚·卡拉斯与蒂托·戈比在普契尼歌剧《托斯卡》中的录音表演为研究对象。调查分三阶段：(1) 听歌曲；(2) 阅读剧情及歌曲背景后重听；(3) 观看现场表演。多数参与者在听歌时出现“战栗”反应，与音乐诱发的情感相关。观看现场表演时参与者反应最强烈，这说明现场表演能增强情感唤醒。

有人认为音乐表达的情感过于具体，难以用语言解释。音乐包含诸多“不可言喻的描述性”特质。也有人认为，用语言概括任何艺术形式会弱化情感，最终无法准确表达艺术。还有人指出，人类情感与音乐形式的联系比语言更紧密。音乐揭示了情感的本质，而语言无法完全做到这一点。音乐能以语言无法企及的方式更加贴近于生活。

情感表达的重要性

在音乐中，“表现” 一词具有双重含义。一方面，它可以指作曲家心中所蕴含的意义，即作曲家想要通过作品传达的意图；另一方面，它也可以指表演者演奏的方式。

历史上，所有表演者在 “演奏音乐” 时都面临着相同的难题，因为在表演行为中存在一个天生的变量：表现力。表演者需要做什么呢？最起码的要求是表演者必须准确演奏出音符、节奏、动态等。从这个意义上说，我们可以将演奏定义为一个机械过程；然而，缺乏表现力的演奏是没有音乐性的。因此，还需要 “更进一步”，因为优秀的表演者有义务传递音乐的构思，并以充满表现力的方式重现乐谱。

音乐表演中的情感表达是一种让表演者和观众之间建立情感联系的重要方式，通过表演者的情感体验和表达，将音乐中蕴含的情感传递给观众，让观众能够获得身临其境的体验。这种情感传递是一个双向的过程，需要表演者的情感展示和观众的认真感受，两者相互作用才能创造出强烈的情感体验。

其次，情感表达也是音乐表演中的关键要素。音乐表演不仅需要表演者在技术和音乐理解等方面具备足够的能力，更需要表演者在情感表达方面有更深入的理解和渗透。音乐表演要想生动、有感情，表演者就必须全身心地融入音乐中，深刻体会和传递音乐中的情感，通过音乐展现出自己的情感和表演技巧。正是情感表达的存在，让音乐表演更加生动、有灵魂，也更容易打动观众的心灵。

最后，情感表达同时也是表演者铸就个人音乐风格、构建音乐形象的重要环节。每个音乐家都有自己的音乐风格，而情感表达则是展现个人风格和独有特色的一种方式。

在音乐演奏中，情感表达对于作品的艺术价值实现具有至关重要的作用。只有通过演奏者的精彩演绎，将作品中的情感充分展现出来，才能使作品的艺术价值得到真正的体现。没有情感表达的演奏，即使音符准确、节奏无误，也如同没有灵魂的躯壳，无法打动听众的心灵，使作品沦为空洞的形式主义。

情感表达的基础与关键

深入理解作品的情感内涵

音乐作品是作曲家情感的载体和思想的体现，演奏者要进行情感表达，首先必须深入研究作品的背景，包括创作的时代背景、作曲家的生平经历、当时的音乐风格潮流等。这些背景因素对作品情感的形成有着至关重要的影响。通过对背景的了解，演奏者可以初步把握作品所蕴含的情感基调是欢快、忧伤、激昂还是宁静等。

同时，仔细分析作品的音乐元素是理解情感内涵的核心环节。旋律线条的起伏走向、节奏的变化规律、和声的运用特点以及调式的转换等，都蕴含着特定的情感信息。例如，舒缓而流畅的旋律可能表达温柔、抒情的情感；强烈而紧凑的节奏往往蕴含着紧张、激动的情绪；大调式常常给人明亮、欢快的感觉，而小调式则容易引发忧郁、深沉的情感联想。演奏者需要从这些音乐元素的细节入手，深入挖掘作品内在的情感脉络，为准确的情感表达奠定坚实的基础。

演奏者自身情感的调动与融入

仅仅理解作品的情感内涵还不够，演奏者必须将这种情感转化为自身的情感体验，才能在演奏中自然地流露出来。演奏者要善于从自身的经历、情感记忆中寻找与作品情感相契合的点。当演奏一首表现思乡之情的作品时，演奏者可以回忆自己远离家乡时的孤独、思念亲人的感受，从而将这种真实的情感融入到演奏中，使演奏更具感染力。

此外，演奏者需要保持良好的心理状态，排除杂念，全身心地投入到作品的情感世界中。在演奏前，可以通过一些放松身心的训练方法，如深呼吸、冥想等，使自己进入一种专注、平静而富有情感张力的状态。只有当演奏者自身的情感与作品情感融为一体，才能在演奏过程中通过音乐的表达将这种情感传递给听众。

音乐性的培养

音乐教育：音乐性的培养需要从音乐教育开始。学生在学习音乐的过程中，需要培养对音乐的兴趣和热爱，同时学习演奏的基本知识和技巧。音乐教育应该注重培养学生的音乐感知能力和表达能力，让他们能够理解和表达音乐的情感。

演奏经验：演奏经验是培养音乐性的重要途径。演奏者需要通过不断的演奏来积累经验，提高自己的演奏技巧和表现力。他们可以参加音乐比赛、音乐会等活动，与其他演奏者进行交流和学习。

音乐欣赏：音乐欣赏也是培养音乐性的重要手段。演奏者需要广泛地听各种类型的音乐，学会欣赏音乐的美感和艺术性，从中获取灵感和启发。

对作品的理解：演奏者在演奏之前需要对作品进行深入的理解。他们需要了解作品的背景和意图，掌握作品的结构和风格。通过对作品的理解，演奏者能够更好地表达作品的情感和内涵。

对乐器的掌握：演奏者需要对自己学习的乐器进行深入的研究和掌握。他们需要了解乐器的特点和演奏技巧，掌握乐器的音色和音量控制。通过对乐器的掌握，演奏者能够更好地表达音乐的细腻情感。

总结

演奏中的情感表达是音乐艺术的灵魂所在。演奏者通过深入理解作品情感内涵，准确把握自身情感体验，并巧妙运用演奏技巧，将作品中的情感传递给听众，从而使音乐作品焕发出强大的艺术魅力。在音乐演奏的实践中，演奏者应始终注重情感表达的重要性，不断提高自己的情感洞察力和艺术表现力。