一、气息类

问题一 断奏的吐音总是太重怎么办？

我不知道大家有没有观察过家里的水龙头，当水龙头打开的时候，水一直是在流动的且不间断的，这就像是我们在演奏时气息持续推送的状态，那我们的吐音是在做什么？这就像手从水龙头的水柱滑过，这水柱就仿佛是保持压强且持续不变的气息，是一直在不间断的流动的。那我划过水柱的力量到底需要多大？是只要划过去就好，还是一定要像砍树一样用力的砍过去？那么，断奏是怎么产生的呢？当你的舌头碰触哨片，离开，再迅速回去，整个过程气息是不变的。当你不发音的时候，气息是一直顶住的，然后再离开，再回去，这么一来，是它的气息在用力，并不是说是你的舌头在用力。如果你的舌头过分用力的话，那断奏的吐音当然会很重，而且舌头的过分用力会导致气息得不到很好的支撑，所以在做断奏的时候应该多注意基本功长音的培养，断奏是建立在良好的气息压强控制的基础上的。

不管是长音也好，吐音也罢，还是音阶、练习曲、乐曲，都是靠气息去支撑的，因为单簧管就是用气息去震动笛头和哨片发音的。如果气息的问题没有解决好，那我觉得做其他事情或者是其他技术性练习都不会特别的顺利，肯定是会有阻碍的。

问题二 高音的吐音如何吹得清晰？

这就牵扯到物理学上的一个问题，比如说我们都知道演奏低音时哨片的震动频率是比较慢的，反之演奏高音时哨片的振动频律是比较快的，也就是说想要哨片快速震动且震动的频率稳定可控的演奏高音，我们只能用大量的气息去支撑使气息流速变快。在良好的气息支撑情况下，用你的舌头轻轻地离开，这样子的话，高音的吐音相对就会清晰很多。话说回来，最重要的还是我们对气息的控制，气息太重要了。

我不知道大家有没有想过一个问题，就是为什么老师教给我们的是胸腹式呼吸？我们呼吸的时候完全是靠肋骨和胸部的肌肉收缩来完成，肋骨对我们的气息量有了限制，胸部肌肉又很少，加之吸进去的气非常的浅，仅能满足日常的生理需求，吹出来的声音就像泄了气的皮球，声音听上去也毫无色彩和美感，很多小朋友初学时候都是采用胸式呼吸法，非常明显的一个表现就是，吸气的时候缩脖子、双肩提起来，这是非常不利于管乐演奏的方式。胸腹式呼吸，是通过胸腔、横膈膜和腹肌互相配合来调节呼吸，集胸式呼吸、腹式呼吸的优点于一身，让腹腔核心肌肉群更容易控制气息，具有气息深、速度快、容量大、声音弹性好等特点，吸气时下降横隔膜使气息的容量增大，呼气均匀而深沉，并能对呼气的流速快慢进行调节。

我们吸气是要憋着去吹的，如果只用胸式呼吸，时间久了的话，对肺部其实是不好的，肺泡承受压力会非常大，久而久之有器质病变的可能性。但是如果我们是借助腹部核心肌肉群的力量，说不定吹黑管还能练出六块腹肌，我相信学生们都会非常喜欢去练这个一举两得的呼吸方法的。

问题三 胸腹呼吸更稳，气息更足？

胸腹式呼吸理论已经非常成熟，如果我们用胸腔呼吸的话，就没有足够的肌肉力量去支撑气息，胸腔里除了心肝脾肺就是骨头，我们不可能让骨头去挤压我们的气息吧？吸下去，我们要用腹部的力量让整个身体的核心收紧。应该有人练过瑜伽吧？瑜伽讲究的就是我们的核心力量，当你的核心力量收紧的时候，把你的气息，通过你的腹肌力量和口腔力量的支撑，将带有饱满流速的气息吹进笛头，振动哨片，你的声音是会非常有力的、集中的、有穿透力的。 

二、技巧类

问题一 单簧管的嘴型是什么样的？

每一个人面部的骨骼构造和牙齿，包括牙弓的弧度都是不一样的，所以针对不同的学生条件，嘴型的要求相对是有区别性的，不是说大家都是统一的。正常来讲，嘴唇的薄厚如果适中的话，牙齿跟唇线基本上是在一个平行线上。但是，有些同学的嘴唇相对来说比较薄，如果还是以唇线为基础的话，那就含得太少了。而有些同学嘴唇是比较厚的，如果还是以唇线为基础的话，那就含得太厚了，所以第一要做到因人而异。第二，要根据我们吹出来的声音音色去判断，到底要用什么样的口型和咬合深浅度。其实发音是靠气息，嘴只是提供一个支撑的力量。

问题二 我们到底咬不咬笛头？

其实正确地来讲，不是去咬笛头，而是用嘴和唇肌的力量去支撑它，牙齿只是起到了一个保持口腔闭合的作用，重要的还是靠嘴唇的这一圈肌肉去固定它。如果过分咬笛头的话，首先你会觉得嘴唇非常痛，其次如果下牙给的支撑力过大，那哨片和笛头之间的风口就已经变得很小了，这样虽然容易吹，但是会影响哨片的充分振动和发音音色，就算你再给很大的气息，那就相当于放气球一样，你把气球出气口给得很小，你的声音还是不能找到一个立体的状态。所以我的建议就是牙齿不要咬笛头，其实也就是所谓的去叼住笛头，去含住它，给它一个位置的控制，不要让它漏气，靠我们嘴边的肌肉去控制它。

问题三 怎样吐音更有弹性和颗粒感？ 

我觉得在练习吐音的时候，你要分清楚我们到底在练什么。第一是所谓的颗粒性和清晰度，第二是练习你的速度，第三是你的舌头的耐力。吐音基本上就是用我们的舌头的舌面的尖部去碰触哨片尖，颗粒性取决于舌头离开、回去的速度，并不是直接敲击笛头的速度，所以颗粒性需要良好的气息支撑。

我不知道大家在练吐音和练长音的时候，会不会觉得气息和声音等方面是有所不同的，吐音其实是建立在长音的基础上的，大家在练习长音的时候有没有注意到练习细节，还是只是单纯的练长音，如果说你的音色，你的音质，音准，包括你的气息，腹部力量的支撑，每一个音区的音色统一，这些都能够去练到，注意到以上几点后再去练习吐音的话，才会涉及到有颗粒感和弹跳性的吐音演奏。

问题四 演奏紧张容易炸音怎么办？

首先你要排除一下，炸音到底是由于你的哨片？口型？还是心理状况？因为我们在演出的时候，心里一紧张，首先的反应是什么呢？浑身发抖，或者是气息很难下沉下去。如果气息下沉不了的话，就没有办法用腹部的力量去支撑气息往外送，那风口出气的力量和气息的支撑力量就已经发生变化了，就很容易炸音或啸叫，而且嘴也会跟着抖，这就是我们演奏的时候容易炸音和啸叫的一个原因。

有的时候是因为紧张，有的时候是因为你在台上特别享受，甚至已经忘乎所以了，这个时候你可能更多的是在乎自己表现的东西，忽略了气息控制和口腔控制的比例，所以也会出现炸音的现象。还有一种可能是我们在音乐会刚上来就炸音，是由于天气和环境对哨片的影响，我们在上场之前，对哨片的湿润度没有做好调整，哨片尖端还处于一个非常干的状态，这样也非常容易炸音。

问题五 怎样可以吹得快而不乱？

最重要的是慢练。我们慢练的时候练习的是什么？首先是练习手指的稳定度，我们在按每一个键子的时候，要注意触键轻盈，不能特别使劲地去按，会使手指僵硬，按键发音手指只要盖住音孔，不漏气，就会去发出声音，练出自然放松的手感，一切技巧和困难片段都要自然放松的去解决，切忌手指过硬或大力触键。乱，有时候可能是体现在手指上，有时候也可能体现在我们做大跳的时候，气息和口腔之间的配合，这种东西只有在我们慢练的时候，能够一点一点地被关注到，然后从慢的速度，一点一点地去加速，这样才会做到稳定。再一个就是心理的建设，如果说你是从慢练上来的，心里足够稳，那你在快速演奏的过程中，还是能够去坚定这个速度的稳定度的，但如果说你是没有章法地去吹，一旦快起来，你的思维其实是控制不住自己的手指的，它会有一个惯性，所以我们在演奏的过程中，千万不能让手指过多地去走惯性，一定要用我们的大脑去控制手指。

那怎么去练习它的均匀度呢？我们在演奏或者是练习的过程中，有两个很好的伙伴，一个是校音器，一个是节拍器，一来是关注你的音准，二来是关注你的节奏。最好的练习状态就是用节拍器去打分拍练习，打着节拍器慢练是非常重要的，要做到稳，稳定地提速，才会快而不乱，而且颗粒和节奏性都会非常清晰，然后将其联动到你的手上，你的气息，你的舌头，它才会一起清晰。

三、其它分享

问题一 单簧管的双包、单包口型有什么区别？

在国内，我们基本上学的都是单包，双包基本上都用在了大管和双簧管这样的乐器上。双包的口型在十八世纪中期单簧管的前身“沙吕莫”的演奏中是有的，最早期的演奏方法是哨片朝上，笛头朝下，所以那会儿是反着吹的，音色比较尖锐，多以色彩乐器类型出现，这样的话，哨片在上面其实是需要双包的口型去固定的，可是后来慢慢发现，当我们把笛头转过来的时候，用下嘴唇去固定它的时候，出来的声音比反过来吹音色要好很多。在国内，大家基本上用的都是单包的口型，双包很少。

问题二 哨片越吹越干怎么办？

在舞台上都会遇到这种哨片越吹越干的问题，有可能是天气的原因，场地的原因，还有心理的原因，这些肯定是会有的。哨片越吹越干，那我唯一的做法就是如果是整场音乐会的话，一首曲子结束，你旁边可能是需要放一瓶水的，然后去润一下你的嗓子，润你的口腔，润你的哨片。

有一些同学口腔的唾液分泌比较旺盛，这样就会出现一个问题，就是在吹的过程中，你的口水会非常容易粘在哨片里面，哨片里有很多口水，然后就会发出不干净的声音。还有一些同学唾液分泌不是那么充分，这样就会越来越干。但我相信一首曲子，最长也就是在七、八分钟左右，所以如果演出之前足够吸收很多水份的话，其实是可以解决这个问题的。

问题三 教小学生演奏高音时，怎样能够快速地吹响？

在高音区的时候，你要让学生学会气息的支撑。如果他能够去支撑住，往上走的话，其实是会非常顺利的。还有一个就是小朋友会觉得，只要我的嘴挤一挤，牙齿用点力去咬笛头，然后再给点气，好像就上去了，这个上去的高音做老师的要加以关注，是只是上去了一个音，还是音色的质感也是没问题的。我们讲究的声音除了亮度、响度、准度以外，还要有它的一个宽度和深度。当你需要深度的时候，就需要气息去支撑了。

我觉得它需要一个循序渐进的过程，包括我们的力量，我们的耐力，我们的嘴部力量，腹肌的力量等，它都是需要有一个积累的，想要一下子到达，我觉得不大可能。除非说他的高音是一种啸叫的状态，不是一个我们所认为的具有音色和音质还有音准的高音。

问题四 怎么理解乐曲中的情感和美感？比如乐谱原谱讲的悲伤，可是你今天却十分高兴，结果把悲伤的曲子吹得很愉快。我们都知道这是第一创作和第二创作的相互影响。我想问的是怎样更好地去尊重原谱？是否就是把乐谱上的力度记好吹出来，不加入自己的情感？

首先出现相对悲伤的曲子的时候，比如说我们就拿韦伯一和韦伯二来做一个对比吧。韦伯一刚进来，大家认为是什么样的一个调性？它是一个小调。小调给人的就是一种比较忧虑，比较焦虑，比较暗淡，比较纠结的感觉。但是韦伯二刚进来的时候，是以大调进来的，其实就已经非常能够区分出来这首曲子到底是一个快乐的曲子还是一个忧伤的曲子。我们如果想要做一个非常好的演奏者，首先是对于音乐的理解，如果只是简单地理解到它是忧伤还是快乐，这才是第一步。对演奏者来讲的话，我们会希望演奏的音乐是具有画面感的，这样子的话，视觉上的刺激或者是情感上的刺激，会带给我们更丰富的一种想要表现的冲动和欲望。当你在吹的时候，你不是每天吹悲伤的曲子时都很开心，对不对？那我们要做的是如何让自己下一秒就进入到我们所演奏的这首音乐作品的状态。

一场音乐会的安排，不可能都是古典专场，或者是近现代专场，我们肯定是相对的风格，比如说中国曲目，或者是古典音乐，浪漫主义时期音乐，近现代作品，或者是无伴奏，它都是不一样的，那我们怎么一上来就马上进入状态呢？这个是需要练习的，这个练习可能会基于很多前期准备，比如说该作品创作时期的社会背景，作曲家的一些性格描述或者是当时音乐时期的作品共性等等。再一个就是要有赏析大量音乐作品的能力，这样才会非常快的进入表演状态。对于刚开始接触这些作品的同学来说，特别是国外的作品，比如说协奏曲、奏鸣曲，你们更多地要去看这个作品的背后，作曲家到底是在什么样的情绪下创造出来的。对于中国作品来说的话，那就很明显，因为它基本上都属于标题音乐，当然国外也有标题音乐。当标题音乐呈现的时候，我们会有非常强的代入感，所以说大量作品欣赏和演奏的积累很重要。还有一点很重要，学生演奏的时候，希望他们结合着伴奏，不管是钢琴伴奏，还是你去听的交响的伴奏。因为我们在舞台上呈现的东西不是自己一个人所完成的，除非是现代派的一些无伴奏之类的，否则都需要钢琴、室内乐乐队伴奏，和我们变成一个共同体所演奏出来的作品才算是一个完整的作品，所以大家一定要去分析。同一个音在不同的和弦里面，它带给别人的感受也是不同的，因此对于伴奏谱的分析、曲式和声的理解，还是要带入作品演奏中，毕竟当我们吹完了，钢琴该进的时候，我们应该用什么样的心情，什么样的力度，什么样的演奏状态去交接给钢琴，钢琴的间奏弹完了以后，我们又要用什么样的一种音色，包括我们的音头、音质，从那儿对接过来，这些都是要去做联动的处理的。